ВКЛАД ТИМА БЁРТОНА В РАЗВИТИЕ МРАЧНОГО ГОТИЧЕСКОГО ИСКУССТВА
Рэндел Чемберс, осень 2007г.

Введение
Тим Бёртон, режиссер и аниматор, создает один за другим новые фильмы. Может показаться, что на его работы оказал влияние немецкий экспрессионизм, однако на самом деле они являются продолжением традиций мрачного готического искусства в производстве фильмов для широкой аудитории.
Готическое искусство берет начало в архитектуре времён позднего средневековья в Европе. В период Ренессанса стиль был осмеян за агрессивность. Преимущественно встречается в религиозных сооружениях, также его формы можно увидеть в замках, городских зданиях и колледжах. 
С появлением кино на рубеже XX-го века готическое искусство приобрело другие характерные черты посредством освещения декораций и, что более существенно, освещения архитектуры зданий. Тени, удлинённые элементы, резкие контрасты, холодные очертания и, вынужденное в то время, чёрно-белое изображение, создавали мрачный готический эффект.
Влияние теней на площадке придавало мрачности готическим формам,  пробуждая чувство страха, хотя не было показано ничего действительно ужасающего. Мрачное готическое искусство находит отражение в тех фильмах, где показан архитектурный стиль, близкий к форме экспрессионизма.

Экспрессионизм в искусстве
Экспрессионизм в искусстве искажает реальность для достижения эмоционального воздействия. Его происхождение связано с тяжелыми временами, которые общество переживало, как правило, во время спадов или сразу после войн. Экспрессионизм как способ выражения внутренних эмоций возник в Германии, получил распространение по всей Европе, и со временем достиг Америки.
Типичным примером стиля является экспрессионистское течение в живописи. Его представители использовали цвета и причудливые композиции для изображения видимых предметов. Целью было не воспроизводство жизни в угоду эстетике, а порождение мрачной эмоциональной реакции. Экспрессионизм распространился во всех сферах: живописи, графике, скульптуре и кинематографе, и преобладал в Германии и Австрии на протяжении с 20-х до ранних 40-х гг. XXв.
Образцы живописи и графики содержат чистый чёрный или белый с использованием угля и темной палитры: коричневого, черного и синего цвета. Картины маслом, гравюры и литографии – все выдержаны в безотрадном духе, отражающем в искусстве политику, религию и военные правительства. Важной частью искусства является портретная живопись и, в большей мере, автопортрет, посредством которого художники передавали свои жизненные переживания.
Вследствие революции, военного поражения и краха экономики города оказались в руках рабочих и солдат. Неопределенность во времена изменений в мире заставила художников самоутверждаться в жизни, полной беспорядка.
Портреты были построены таким образом, чтобы передавать ощущение подавленности. В изображении были принципиальны не детали, а мысли и чувства, переживаемые художником и его натурщиком в процессе созидания.
В качестве примера можно привести автопортрет Отто Дикса в качестве солдата в 1914 г. (Рис. 1). Его картина выполнена в угрюмых мрачных цветах: черном, красном и жёлтом, передающих тревогу и уныние. Для достижения этого были использованы несильные вытянутые мазки, встречающиеся во многих произведениях того времени.
Привнесение экспрессионизма в гравюрах и литографиях достигалось искусством штрихования с помощью травления кислотой либо фотографического перенесения. При отсутствии подробного исполнения, авторы могли сосредоточиться на своих взглядах и чувствах, показывая сущность предмета, не отвлекаясь на фон. Художники интеллектуально излагали свои мысли, не вдаваясь в детали изображения. Основным поводом для этого была текущая политическая жизнь и субъективные воззрения на государственную политику. (Brandt 46)
Художники в Германской империи с помощью гравюр на дереве и эстампов создавали эмоционально сильные произведения. Чувство потерянности и очевидный контраст чёрного и белого отражали представления этой группы людей о борьбе. В Берлине графика была представлена чёрно-белыми изображениями, которые составляли мощные композиции, темой которых часто были удручённые и утомленные женщины. Были распространены автопортреты, поскольку единственно доступными моделями для художников были они сами. (Barron and Dube 77).
Широкие линии и острые углы в гравюрах на дереве, созданных в это время, подтверждали физический труд самих художников. Отсутствие деталей стало особенностью стиля, поскольку художники стремились выразить свои убеждения через эмоции картины. Состояние народного хозяйства после Первой мировой войны вызвало рост ксилографии благодаря дешевизне и доступности материала, хотя этот вид искусства был распространен и ранее (Barron and Dube 49). Гравюра Эриха Хеккеля «Братья», 1913 г., через ручную резьбу передает эмоции от готически искаженного изображения двух мужчин, охвативших друг друга руками для защиты и утешения в тяжелое время   (рис. 2).  
Скульптура приобрела абстрактное направление с чертами гуманизма. Огромные изваяния изображали людей с утрированными фигурами и конечностями в разных эмоциональных состояниях: печали, отчаяния, страха и гнева. Работа Вильгельма Лембрука «Павший», 1915-1916 гг., из бронзы, созданная в военный период, выглядит удручающе.  Бесцветный молодой человек принял общепонятную позу: на коленях припав к земле в стыде, истощении, угнетённый или молящий о прощении, он вызывает смутное ощущение (рис. 3). 

Огюст Роден, французский скульптор, чьи работы отражали внутренние чувства, оказал влияние на большинство экспрессионистов. Одним из последователей был Эрнст Барлах, который позже создал скульптуры протестного характера, в основном, антивоенные. Работа Эрнста Барлаха «Памятник павшим» в соборе Магдебурга, 1929 г. (рис. 4), была заказана как героический мемориал Первой мировой войны для города Магдебург. Вместо этого, изваяние изображало безумие войны, за что было перемещено и спрятано до окончания Второй мировой войны. 
Скульптурная архитектура также имела мрачный готический вид. Здания, которые были возведены в этот период времени в Германии и на других территориях Европы, опустошённых Первой мировой войной, выглядели сюрреалистично, но обладали функциональностью. Здание любоньской химической фабрики, спроектированное в 1911-1912 гг. Хансом Пёльцигом (рис. 5), производит впечатление трёхмерного здания с плоским кирпичным рисунком и острыми гранями.
Упрощение способов строительства привело к отсутствию орнаментики и богато украшенных фасадов. Практичность и искусство были соединены воедино в качестве архитектурного экспрессионизма, возникшего благодаря движению Баухауз, позднее известному как Интернациональный стиль. Искажённый образ сооружений часто сообщал сильные эмоции. Часто использовались смешанные элементы или природные образования, такие как рельеф.
Кинематограф периода Первой мировой войны и сразу по её окончании отражал безрадостную реальность. Визуально фильмы выглядели готическими фильмами ужасов, но их сюжеты были подчёркнуто романтическими. Это был способ для зрителей уйти в другой лучший мир от того, что они испытывали в жизни. Продюсеры и режиссёры использовали эти связи для объединения действия и зрителя. Специально для фильмов возводили здания и декорации, которые напоминали архитектуру того времени: здания странной формы из узкого основания у земли вырастали высоко вверх. Многие живописные декорации не были построены в трёх измерениях, но создавали иллюзию глубины (Barron and Dube 105).
В эпизодах фильма «Генуине: история вампира» (1920) режиссёра Роберта Вине, на заднем плане видны окна в форме молний, в стиле кубизма и, тем не менее, выполнены ручной росписью в двух измерениях. Декорации способствовали мрачному настроению благодаря удлинённым теням и коридорам, которые, кажется, кренятся то с одной, то с другой стороны, всё из-за иллюстративного характера и странных треугольных форм. Стены выглядят, как перевёрнутые кверху дном вертикально стоящие коробки с очерченными краями (рис. 6).

Декорации проектировали в соответствии с требованиями популярного направления в искусстве. К примеру, для создания декораций к фильму «Кабинет доктора Калигари» Вине пригласил художников-экспрессионистов: Германа Варма, Вальтера Рёрига, Вальтера Реймана (Kraucer 34). В книге «От Калигари до Гитлера» приведена цитата Германа Варма: «Фильмы должны стать ожившими рисунками». Освещение в фильмах Вине, как и в резьбе по дереву, заостряет углы и углубляет штрихи заднего плана (рис. 7).
Этот фильм, как и многие другие, вышел в свет в 20-е гг. ХХв. после разорения Германии в Первой мировой войне. Во время Великой депрессии 30-х гг. в Америке были восприняты и развиты по-своему художественные формы Германии. По окончании Второй мировой войны Великобритания также последовала этому художественному стилю. Когда Америка переживала ещё один экономический спад, это послужило возобновлению интереса к готическому искусству.
Чёрный понедельник в октябре 1987 г. – день, когда произошло сокрушительное падение Промышленного индекса Доу-Джонса на 500 пунктов. Последовавшая за этим паника привела к резкому спаду, от которого пострадали не только Соединённые Штаты, но и Канада, Австралия и Великобритания. Экономики других европейских государств, а также Японии, понесли убытки (wikipedia.org).
Спад продолжался более пяти лет и сопровождался потерей 120 млрд. долларов долгосрочных сбережений Соединённых Штатов, а затем медленно полз обратно вверх, достигнув уровня 1987 г. к середине 1995 г. Беспрецедентный биржевой крах привёл к  25%-ным потерям на биржевом рынке Соединённых Штатов и 11%-ным фондового рынка Канады, что составило 37 млрд. долларов.
Последствия Чёрного понедельника в Соединённых Штатах привели к резкому увеличению алкоголизма и злоупотребления наркотиками, наряду с эмоциональной депрессией, затянувшейся на десятилетие. Спады, как в 1987-1995гг., оказавшие разрушительное воздействие на пострадавшее общество, послужили причиной возрождения готического искусства.
В современном кино истинная идея готического искусства больше не существует в полной мере. Фильмы, которые сегодня пришли на место готических, демонстрируют ужас, насилие и жестокость, как «30 дней ночи» (2007) – фильм о вампирах, действие которого происходит в изолированном городе на Аляске, где ночь длится месяц. В готических фильмах основное внимание уделяется связи обстановки, общего вида и ощущения с эмоциями, а не развлечению. Экспрессионизм в готическом фильме сегодня воссоздаёт Тим Бёртон.

Искусство Тима Бёртона
Работы Бёртона в совокупности содержат отчётливо выраженные мрачные готические элементы экспрессионизма. Многие его декорации сделаны вручную, и в их внешнем виде чувствуется человеческое прикосновение. Все его работы согласованы между собой резким светом, приглушёнными цветами, стилизованными под время костюмами, чёрно-белыми эскизами декораций и сюрреалистичными нотками в каждом фильме.
Фильмы докризисного периода
Герой чёрно-белого короткометражного кукольного анимационного фильма Винсент (1982) юный Винсент Маллой мечтает быть Винсентом Прайсом и одержим писателем Эдгаром Алланом По. Винсент уходит от обычной жизни в макабрический мир мрачных фантазий, к большому огорчению своей матери. Винсент Прайс был театральным актёром в 1930-е гг. и стал знаменит благодаря ролям в 180 готических фильмах ужасов в 1940–80-х гг. Он снялся в таких фильмах, как «Дом восковых фигур» (1953) и «Муха» (1958). В 60-е он играл разные роли в адаптациях новелл Эдгара Аллана По. В последующие годы (70-е) Прайс известен чтением закадрового текста и, в особенности, художественному чтению новелл и поэзии Эдгара Аллана По (www.imdb.com/name/nm0001637/).
Декорации в фильме освещены таким образом, чтобы придать треугольную форму плиточным полам и неровным стенам с непонятными четырёхугольными очертаниями. В одной из сцен фильма показаны изогнутые и закрученные поручни крыльца. Здания похожи на скошенные четырёхугольники: узкие у основания они расширяются кверху (рис. 8). Освещение грубой текстуры, чёрно-бело-серые тона и резкий свет большинства сцен придают готическое ощущение этому произведению. В фильме органичны шахматные обои в комнатах и непримечательные предметы интерьера, которые, кроме прочего, становятся готическими символами, схожими даже с образностью Сальвадора Дали. Этот общий стиль встречается ещё в нескольких работах Бёртона. 
Студия Disney вложила менее 60 000 долларов в производство этого шестиминутного перекликающегося с детством самого Бёртона мультфильма, действие которого происходит в двойственном мире обычной жизни и готического воображения мальчика, обожествляющего актёра Винсента Прайса и питающего жадный интерес к писателю Эдгару Аллану По, творчество которого послужило источником для нескольких фильмов Прайса. Главный герой «Кошмара перед Рождеством» Скеллингтон появляется в «камео» ближе к концу фильма (Tim Burton 6). В «Винсенте» Бёртон впервые рискнул работать в такой художественной форме ещё до Чёрного понедельника 1987 года.
Короткометражный фильм «Франкенвини» (1984) о том, как мальчик по имени Виктор оживляет свою погибшую собаку Спарки, содержит аналогии с релизом студии Universal «Франкентштейн» (1931). Так, имя героя совпадает с именем учёного Виктора Франкенштейна в оригинальном фильме. Виктор снимает Спарки в домашних фильмах ужасов, пока пёс не погибает под колёсами автомобиля (www.minadream.com/timburton). После «перезарядки» Спарки начинает терроризировать соседей, как им кажется, из-за чего, в конце концов, прежде дружественные люди массово преследуют его до старой ветряной мельницы – ещё одна параллель с оригинальным «Франкентштейном». В отличие от него, в этом фильме Спарки показывает свою неизменную преданность, спасая Виктора из горящей ветряной мельницы, и становится местным героем (рис. 9).
Стилизованный под «фильм категории В» пятидесятых годов с низкокачественными визуальными технологиями, всё-таки он выглядит неплохо для своего бюджета. В картине сохранён грустный эмоциональный дух оригинального «Франкенштейна» с шахматными узорами 50-х и качеством домашнего видео. В фильме использованы жёсткое освещение плюс техника чёрного и белого, т. к. для изображения нужного настроения работа со светом имеет даже большее значение, чем с объектом. Всё выглядит вне эпохи, изображено так, будто могло случиться в любое время в истории. «Франкенвини», появившийся до кризиса 80–90-х гг., в свою очередь также подлежит ремейку самим Бёртоном.

Фильмы в период экономического кризиса
Герои фильма «Битлджус» (1988) Адам и Барбара – пара, живущая в маленьком городе в домике, типичном для Новой Англии – умирают от несчастного случая, и теперь они привидения, которые не могут покинуть свой дом. Когда в него вселяются новые владельцы яппи, Адам и Барбара пытаются выгнать их, напугав, однако привидений пытаются использовать для наживы. Тогда, чтобы избавиться от новой семьи, пара обращается за помощью к био-экзорцисту  Битлджусу (en.wikipedia.org/wiki/Beetlejuice). 
В одной из сцен показан изогнутый коридор в мире мёртвых, который создает зрительную иллюзию перспективы (рис. 10). Этот эффект можно увидеть и в других небольших эпизодах фильма. Бёртон намеренно придал месту действия «мультяшный» вид с помощью сюрреалистичных декораций, очевидно, сконструированных в натуральную величину. Эпизодам, показывающим мир неживых, присущи нереальность и некоторая сказочность, а также резкое освещение и глубокие эмоциональные тени от бокового света. Силуэты геометрической формы трансформируются в искаженную реальность. Сам дом показан совершенно скучным, как чёрно-белый карандашный рисунок (рис. 11). 
Ввиду низкого бюджета необходимостью фильмов в духе экспрессионизма было повторное использование декораций и макетов. Затем, это стало стилистически оправданным для создания эмоционального воздействия, независимо от бюджетных ограничений. Чтобы декорации в одном и том же месте выглядели по-разному, достаточно изменить ракурс и создать гротескную перспективу. Часто при монтаже получаются переходы, которые используют вместо того, чтобы строить новые фоны. 
 Несмотря на то, что это первый фильм Бёртона с большим бюджетом в 13 млн. долларов, всего менее 10% суммы было потрачено на спецэффекты. По словам самого Бёртона, он желал видеть: «Дешёвые скрипучие иллюзии, а не современные эффекты».  Всё это в сочетании со стилизацией под 1920-е годы, принесло фильму успех и 73 млн. долларов дохода (en.wikipedia.org/wiki/Tim_Burton). «Битлджус» - первый фильм Бёртона после начала кризиса в конце 1987 г., и, несмотря на то, что не получил статус блокбастера, он представляет  собой значительный вклад в развитие художественной формы.
Ключевым элементом в творчестве Бёртона является тонкое восприятие мрачного, ужасного готического духа. Мы находим всевозможные элементы, выражающие эти чувства: резкий свет, ведущая актерская игра, музыка и опять же обстановка (рис. 12). Сказка на современный лад «Эдвард руки-ножницы» (1990) рассказывает о том, как старик- изобретатель создает мальчика Эдварда с ножницами вместо рук. После смерти изобретателя, Эдварда забирает к себе местная распространительница Avon, и её дочь влюбляется в странного юношу. В начале, Эдвард завоевывает сердца всех соседей, но будучи впоследствии обвинённым в преступлении, возвращается непонятый в замок изобретателя (www.imdb.com/title/tt0099487/).
Здесь Бёртон вновь сотрудничает с американским готическим актёром Винсентом Прайсом, пригласив его на роль создателя Эдварда. Простая мелодия наряду с грустными эмоциями даёт ощущение надежды. Снова детализация декораций уступает место оборудованию ручной работы и мрачной архитектуре. Все дома одинаковые и разноцветные, но строгие, от чего выглядят холодно и неприветливо. Такое ощущение, что замок, в самом деле, теплее и человечнее, благодаря отдельным приспособлениям, которые даже готовят печенье, пока изобретатель читает мальчику стихи.
 Персонаж Эдварда напоминает Чезаре, героя фильма Роберта Вине «Кабинет доктора Калигари» (1920). Только они поменялись ролями: главное действующее лицо – Эдвард, живущий в зловещем замке, а жители пригорода – антагонисты. Бёртон использует тему, стилизованные декорации и образы из фильма 1920 года, чтобы рассказать современную историю о другой неправильно понятой таинственной личности. Несмотря на то, что в ранней картине чёрно-белая съёмка была использована по необходимости, в более поздней специально приглушённые цвета внутри замка выглядят как в чёрно-белом фильме. «Эдвард руки-ножницы», выпущенный в разгар кризиса, был номинирован на Оскар и завоевал пять других наград. 
«Бэтмен» (1989) и «Бэтмен возвращается» (1992) основаны на комиксах, в которых Готэм-сити охраняет сам Тёмный рыцарь – Бэтмен, вступающий в борьбу со странными противниками, такими как Джокер, Человек-пингвин и Женщина-кошка. Альтер-эго Брюс Уэйн живёт в семейном особняке и с помощью верного дворецкого Альфреда принимает свой мрачный образ, когда случаются неприятности. Каждый фильм продолжает историю о бесконечной героической борьбе Бэтмена с преступностью. 
В обоих фильмах находят отчетливое визуальное отражение элементы готического мира с холодными бетонными стенами сюрреалистичных зданий, которые, с одной стороны, представляют собой настоящий город, но, в то же время, обладают качествами, невозможными в реальной жизни (рис. 13). Архитектура под влиянием американского стиля Арт-Деко 1920-х гг. производит невесёлое впечатление промышленной грязи и копоти.  В одной из сцен церковь выглядит, как высокая готическая крепость, окружённая опорами, усиливающими квадратную центральную башню (рис. 14). 
Огромные  величественные возвышающиеся здания всё-таки похожи на башни из мультфильмов. В обоих фильмах освещение сделано под нуар 1940-х годов. В кинематографе понятие «нуар» объединяет чёрно-белые голливудские криминальные драмы 1940-х и 50-х годов (рис. 15). Стиль нуар, буквально от французского «чёрный фильм», происходит от немецкого экспрессионизма, хотя сам термин не был в употреблении до 1946 года.
Для съёмок «Бэтмена» Pinewood Studios в Англии превратились во впечатляющий Готэм за 5,5 млн. долларов. Сценарист Сэм Хэмм описывал его так: «...будто ад поднялся и разошёлся над тротуарами». Идея эпизода с кафедральным собором принадлежит не Бёртону. Она пришла из театральной  версии «Призрака оперы», и, чтобы включить её в фильм, продюсер Джон Питерс пожелал дополнительно вложить 100 000 долларов. Продюсер «Бэтмена» Крис Кенни, сказал: «Когда мы привезли «Бэтмена» в Pinewood в 1988-1989гг., мы заняли всю натурную съёмочную площадку и, в сущности, каждый павильон в студии. Там было что-то около 28 миль трубчатых строительных лесов на натурной съёмочной площадке! Ведь это самая большая съёмочная площадка, когда-либо построенная в этой стране, думаю, со времён «Клеопатры» (1963). В мире не так много мест, где мы могли бы сделать такое» (www.pinewoodgroup.com/gen).
«Бэтмен», вероятно, первый высокобюджетный фильм Бёртона, ставший блокбастером. Энтон Фёрст, художник-постановщик первого фильма, совершил суицид, после того, как ему не дали возможности продолжить работу над «Бэтмен возвращается» из-за контрактных ограничений (Entertainment Weekly). Готэм-сити в Англии был сохранён для сиквела, однако Бёртон нанял художника Бо Уэлша, с которым прежде работал в фильмах «Битлджус» и «Эдвард руки-ножницы», чтобы Готэм был построен в звуковом павильоне Warner Brothers в Бербанке. По этому поводу Бёртон говорил: «С сиквелами часто бывает, будто это тот же фильм, только всё немного дороже. Я не чувствовал себя способным на это, я хотел рассматривать это как совершенно другой фильм о Бэтмене» (en.wikipedia.org/wiki/Tim_Burton). Несмотря на то, что оба фильма о Бэтмене были выпущены на экраны на пике кризиса, они собрали большую кассу. Тогда как фильмы «Бэтмен» и «Бэтмен возвращается» относятся к мэйнстриму, следующий фильм Бёртона в жанре пластилиновой анимации по стилю связан с ранними работами.
Продолжают его список избранных современных работ в стиле мрачной готики,   фильмы снятые покадровой анимацией «Кошмар перед Рождеством» (1993) и «Труп невесты» (2005), оформление обоих фильмов выдержано в мрачном эмоциональном ключе. Персонаж Джек Скеллингтон в «Кошмаре перед Рождеством», живёт в городе Хэллоуин и однажды открывает лес, в котором каждое дерево имеет дверь, ведущую в другой праздник. Когда Джек попадает в город Рождества, он похищает Санту, пытается взять на себя его роль, заручившись поддержкой всех горожан-вурдалаков.
 (en.wikipedia.org/wiki/The_nightmare_before_christmas)  
В «Кошмаре перед Рождеством» с помощью мультипликационных декораций Бёртон создаёт эмоционально совершенно мрачный мир в тёмной цветовой гамме с расширенными кверху зданиями, придающими мистическую натуральную текстуру (рис. 16). Контуры декораций резные и закрученные, снова появляются глубокие тени от резкого прямого света. Во всём видна ложная перспектива, монохромный город Хэллоуин в серых и оранжевых цветах контрастирует с городом Рождества в ярких красных, зелёных и белых красках. Декорации обоих городов производят ощущение физического присутствия, несмотря на то, что макеты изготовлены вручную. Всё это носит наглядный характер.
На создание фильма Бёртона вдохновили его поэма и три нарисованных им персонажа (Джек, Санта и собака) во время работы на студии Disney в 1970-е. Эта история, которая, по существу, является противоположностью книге «Гринч – похититель Рождества», – о герое, который хочет окунуться в праздник, но, в конце концов, окончательно его портит. Бёртон говорил, что идея пришла, когда он наблюдал, как внутримагазинную экспозицию, посвящённаю Хэллоуину, заменяли Рождественской. В титрах Бёртон указан как сценарист (не режиссёр или продюсер), но его рука чувствуется буквально в каждом персонаже, декорации, эпизоде. Прежде чем приступить непосредственно к изготовлению декораций, сначала они были нарисованы, а затем созданы картонные макеты в половину размера. Занимая огромные площади в нескольких студиях, декорации были передвижными, что позволяло аниматорам работать со всеми персонажами в пределах досягаемости.  Снимали по одной минуте фильма в  неделю, а весь процесс занял более трёх лет.
Роджер Эберт сказал о фильме: «Это невероятное достижение, изобилующее визуальным богатством, заслуживает большего, чем одноразовый просмотр» (rogerebert.suntimes.com). Джеймс Берардинелли высказался так: «В «Кошмаре перед Рождеством» каждый найдёт что-то для себя... художественное оформление фильма предназначено для всех, кроме малышей, и представляет удивительное достижение. «Кошмар перед Рождеством» входит в число самых высоко оценённых фильмов всех времён на сайте Internet Movie Data Base – это высшее достижение для готического фильма». «Кошмар перед Рождеством» был последним фильмом Бёртона кризисного периода, а два следующих проекта, выходящих за рамки жанра («Джеймс и гигантский персик» (1996) и «Марс атакует!»), не считаются финансово успешными.

Фильмы после кризиса
«Труп невесты» (2005) – анимационный фильм, действие которого происходит в викторианскую эпоху в IX веке, о Викторе, который должен жениться на Виктории. Репетируя свой обет в лесу, он невольно женится на мёртвой, по всей видимости, девушке, Эмили – Трупе невесты. Она приводит Виктора в мир мёртвых, где он не может прийти в себя от хаоса голов, выпученных глазных яблок и уймы эксцентричных персонажей (www.imdb.com/title/tt0121164).
В отличие от «Кошмара перед Рождеством» мир живых здесь погряз в унылых серых буднях, в то время как мир мёртвых наполнен жизнью и красками: надежда в смерти, до сих пор считающейся весьма мрачной эмоционально. В эпизодах реального мира, освещённого мягким прямым светом, всё представлено в болезненно депрессивном настроении серого оттенка. В изображении тусклой исторической викторианской жизни много теней и сглаженных текстур, так что всё кажется механическим с отблеском металлической поверхности и в обычной перспективе (рис. 17). 
В лесу, где происходит переломный момент сюжета, из-за резкого освещения удлинённые силуэты деревьев, похожих на скелеты, отбрасывают глубокие тени. В мире мёртвых также есть глубокие тени, но цвета насыщенные: розовые, зелёные и яркие неоновые оттенки. Текстура леса и поверхностей придает этому миру большей реалистичности, чем миру живых. От резкого освещения становится угрюмо, но события развиваются динамично.
Здесь продолжение повторяющейся темы двух миров, светлого и тёмного, делает Труп невесты «духовным наследником» Кошмара перед Рождеством. Несмотря на покадровую съёмку, новые кукольные модели позволили лучше сгладить переходы между движениями и мимические выражения, чем в «Кошмаре». Бёртон сказал: « Я всегда любил покадровую анимацию. Это так прекрасно, что всё осязаемо. Для «Трупа невесты» сделаны красивые куклы и у нас удивительные аниматоры. Есть что-то чудесное в том, чтобы иметь возможность физически прикасаться и передвигать персонажей, и видеть, что их мир по-настоящему существует» (www.stopmotionworks.com/articles). «Труп невесты» был создан спустя десятилетие после кризиса, и, хоть и не стал хитом бокс-офиса, мультфильм был номинирован на Оскар и завоевал 20 других наград и номинаций. «Суини Тодд» (декабрь 2007) будет его следующим шагом вперёд в жанре готического фильма и покажет, следует ли его стиль за обществом или общество следует за его стилем. 

Элементы готического стиля
Фильмы Бёртона содержат визуальные и эмоциональные элементы, характерные для готики, но не воплощают современные веяния в жанре ужасов или «чернухи». Даже несмотря на присутствие в его фильмах темы смерти и тонкие мотивы болезненности, они не вписываются в рамки современного жанра. Немецкие экспрессионисты ориентировались не на сам ужас, а на эмоциональное содержание кошмаров.
Немецкий экспрессионизм возник в результате поражения Германии в Первой мировой войне. Страна переживала упадок на разных уровнях: эмоциональном, социальном, экономическом и художественном. Германия была вовлечена в войну через эффект домино вместе со своими союзниками Австро-Венгрией, Болгарией и Турцией против Англии, Бельгии, Франции, Италии, России, Сербии, Албании, Черногории, Греции, Румынии и Португалии (рис. 18). (Fisher 20)

Немецкий народ был патриотично настроен относительно идеи защищать союзников и собственную страну, и художники особенно. Художники-экспрессионисты шли добровольцами на военную службу для оказания медицинских услуг, поскольку стране требовалась всеобщая сплочённость во время войны. К 1919 году по окончании войны Германия была сокрушена. Здания были разрушены, у граждан закончились припасы, дома и семьи разделены смертью. Жизнь была не мила в таких условиях. Надежда и средства были на исходе, пока люди ждали помощи от внешнего мира (Koepnick 31).       
Мрачные депрессивные и готические художественные ценности стали картиной истории. Это направление присутствовало как  в Германии, так  и в Соединённых штатах. В 1920-е в США процветали крупный капитализм и торговля акциями, и молодёжь хорошо проводила время. К концу десятилетия произошёл крах фондового рынка, породивший нацию опустошённых бедных и угнетённых людей. Когда в 1930-х настали тёмные времена для американского искусства, здесь появились работы немецкого экспрессионизма. Это видно по широко распространённой популярности немецких фильмов ужасов, таких как «Носферату. Симфония ужаса» (1922) в 1929 году. Без шанса на надежду страна могла впасть в отчаяние.
Фильм «Носферату. Симфония ужаса» (1922) был прямым нарушением авторских прав на сюжет книги Брэма Стокера «Дракула». Главный герой граф Орлок был не кто иной, как персонаж книги. Вдова Стокера подавала в суд на фильм и дважды выиграла, решением второго суда все копии фильма были уничтожены. В тот год фильм вышел на экраны США, поэтому копии всё еще доступны сегодня. В главной роли «Симфонии ужаса» – Макс Шрек, именем которого назван один из персонажей «Бэтмен возвращается» Бёртона.  Настоящий Шрек играет злодея графа Орлока, более приближенного к традиционному представлению о вампирах, чем в смягчённых современных киноверсиях (Kracauer 14).
Заимствование идей из других источников часто используется в искусстве. Режиссёры и сценаристы немецких фильмов делали это по разным причинам. Очевидной является отсутствие доходов из-за экономических трудностей. В таком случае налагалось взыскание, как в случае с требованием вдовы Брэма Стокера о денежной компенсации.
Другие страны проходили через похожие денежные лишения. Великобритания прошла через опустошение после Второй мировой войны, и кинематограф принял направление готической художественной формы. Особое значение имели страх и магия. «Нет ничего ужасного в громком звуке, только в ожидании его», – Альфред Хичкок (www.brainyquote.com/quotes/). Студия Hammer специализировалась на фильмах ужасов, таких как «Проклятие Франкенштейна» (1957) и «Дракула» (1958). 
Бёртон упоминает в интервью о том, что на него повлияла серия фильмов ужасов производства студии Hammer.  В этих работах был ужас, ожидание и жуткие места. Великобритания, будучи одной из стран, участвовавших в войне, вблизи Германии оказалась под сильным влиянием немецкого экспрессионизма (Wexman 36).
Искусство формируется под влиянием индивидуальных испытаний в мире: шире пределы и общественное влияние. Каждая страна понесла свой ущерб от мировых войн. Соединённые Штаты имели другой опыт во время мировой войны, но в результате Великой депрессии Америка пережила похожий период. 
Эти исторические события сыграли важную роль в работе Тима Бёртона в кино; он также не был воспитан в вакууме. Его родители, люди, вырастившие его, переживали те события Великой депрессии. По словам Бёртона, родители заложили его окна, когда он был ребёнком: «...они закрыли их для теплоизоляции, предположительно, и они оставили небольшую щель наверху, чтобы немного света попадало внутрь. В пригороде это был способ сохранить тепло или что-то вроде этого... Наверное, поэтому я всегда чувствовал связь с Эдгаром Алланом По, который написал несколько рассказов, вращающихся вокруг темы погребения заживо» (Fraga 47). Также есть цитата о том, что у него были мрачные фантазии: «...если ты растешь в окружении, которое тебя не увлекает, у тебя нет выбора, кроме этих мрачных фантазий... Тебе приходится понять, есть то, что не идеально подходит для детей. Много абстрактного. Единственный способ пройти через это – исследовать это» (Fraga 136).
Ситуация Тима Бёртона является уникальной для него самого, но эмоциональная реакция как взрослого похожа на ту, что была в послевоенных сценариях, создающих вызов норме, вставших на мрачную сторону искусства. У каждого художника есть свои собственные взгляды и собственное мнение. Бёртон реализует их в пику стилю Disney, компании, на которую он работал много лет, он идёт наперекор мягкому невинному облику. 

История Тима Бёртона
Тим Бёртон, родился в 1958 году, вырос в Бербанке, Калифорния, был художником с раннего возраста и после школы учился в Калифорнийском институте искусств, основанном Disney. Впоследствиии в 1979 году Бёртон был нанят студией Disney благодаря анимационной короткометражке «По следам монстра-сельдерея» (1979). (McMahan 10)
Позже в 1984 году после работы аниматором над фильмами Disney, Бёртон получил шанс стать режиссёром короткометражного фильма «Франкенвини», в то же время, создавая кукольный мультфильм «Винсент». С этого началась его карьера в искусстве и кинематографе. С 1984 года по сегодняшний день Тим Бёртон стал режиссёром и продюсером более четырнадцати полнометражных фильмов, каждый из которых содержит похожие аспекты и стиль.
С тем, чтобы лучше понять, почему его фильмы сегодня являются современными аналогами немецкого экспрессионизма, мы должны понять сами фильмы. В большинстве готических фильмов Германии есть этот неправильно понятый персонаж, который проходит через многое, чтобы преодолеть некое сражение, эмпат своего рода.
Каждый из фильмов Бёртона имеет совершенно разный сюжет, различные декорации и места действия и одно общее: в них поощряется слабый, неизвестный герой или тот, у кого меньше всего вероятность преуспеть.
В немецком фильме «Метрополис» (1929) были более одного слабых или непонятых персонажей. Один из них работник раб типа, принадлежащий к людям подземного мира, а другой – сын богача, Фредер. Оба персонажа очень важны для достижения сострадания и к тем, у кого ничего не было, и к тем, у кого было всё. Кроме того, они оба пытались понять друг друга и выжить. 
Этот фильм стал знаковым, когда впервые вышел на экраны в Германии из-за огромного разорения по всей стране, а затем позже для жителей Соединённых Штатов, когда он вышел здесь в 1929 году во время Великой Депрессии (Williams 17-24). 
Фильм на рубеже IX века был важной техникой в качестве художественной формы. Всё началось с комбинирования визуальных элементов с романами или рассказами на одном носителе, художественные замыслы воплощаются в режиме реального времени с объяснением и движением, захваченным в органическом движущемся прозрачном кадре. Сюжет, ключевой в передаче идеи, и диалог – произнесённый вербально или написанный между сценами – делали всё более доступным для понимания простому зрителю, чем авангардное искусство того времени (Kirkpatrick 27). Это всё ещё сохраняется в отношении работ Тима Бёртона.  
Он добился большого успеха, работая с Полом Рубенсом, иконой шоу 1980-х «Пи-Ви Герман», над историей, в которой наглядно Тим Бёртон заявил о себе. Его работа определённо следует прогрессу и росту. В «Большом приключении Пи-Ви» (1985), соединяющим элементом является история того, как молодой человек получает удар: похищен его велосипед, но в результате приключения он растёт, находит любовь и даже свой любимый велосипед. В «Бэтмене», «Кошмаре перед Рождеством» и «Труп невесты» главные персонажи либо испытывают трудности в жизни, либо в скучной повседневной жизни вынуждены притворяться кем-то, кем они не являются. Они не те, кто по вашим ожиданиям преуспел бы, но им это удаётся. Человек в обличье Бэтмена, которого мы знаем как Брюса Уэйна, будучи ребёнком, стал свидетелем убийства своих родителей. Испорченный чувством чёрной мести, он облачается в тёмную одежду, но всё же становится героем Готэм-сити. Джек Скеллингтон, персонаж «Кошмара перед Рождеством» (1993), так поглощён своими собственными желаниями нарушить повседневность, что физически и эмоционально терпит крах – но находит один недостающий элемент, который заставляет его взять себя в руки – романтику. Герой «Труп невесты» (2005) Виктор Ван Дорт – единственный ребёнок в семье рыбных торговцев, узнает о романтике и учится ценить красоту через мир мрачности. Чтобы быть с тем, кого он любит, он должен следовать правилам, но не может. Он только осознает важность делать то, что он хочет в жизни, пока не стало слишком поздно, даже если это означает конец его собственной жизни. 

Параллели в искусстве и обществе
В мрачном искусстве и обществе наблюдается параллельная картина во время тревожного или  безрадостного периода в истории. Фильмы этого типа были созданы в свое время именно вследствие неблагоприятного положения. В них можно увидеть отражение опыта Германии, Америки и Великобритании в периоды 1920-х, 1930-х и 1940–50-х соответственно. 
Первоначально в истории, как было отмечено, после Первой мировой войны, это тёмное время для искусства получило название экспрессионизм в Германии. Соединённые Штаты были затем вовлечены в него после Великой депрессии, вызванной обвалом биржевого рынка. Экономический упадок привел к упадку моральному, также как и ухудшению качества жизни всей нации, что нашло выражение в искусстве. Это справедливо для Великобритании после разорения во Второй мировой войне. Начиная с поздних 1980-х и в 1990-е кризис вызвал новую волну мрачного искусства. Мрачное готическое искусство стало популярно среди молодого поколения, что дало возможность этой художественной форме развиваться и приобретать значимости в художественной среде.
Это было бы логично, что влияния на Бёртона пришли бы от прошлых поколений в Америке, тон которым задала Германия. Его личностные характеристики как художника соответствуют одинокому эмоциональному содержанию немецких экспрессионистов.

Будущее мрачного готического искусства
Бёртон, не зная, что его художественная форма стилистически относится к экспрессионизму, создал серию фильмов в готическом стиле: до, во время и после кризиса1987–1995гг. Хотя большая часть его готических работ была создана во время кризиса (1988–1933), его ранние работы «Винсент» (1982) и «Франкенвини» (1984) предшествовали спаду. Также и его поздние работы «Сонная лощина» (1999) и «Труп невесты» (2005), очевидно, следуют после экономического спада.
Вместо этого, стилем художника  является экспрессионизм, судя по типу проектов, им созданных и создаваемых сейчас, как например, фильм «Суини Тодд: демон-парикмахер с Флит-стрит» (2007), несправедливо заключённый в тюрьму цирюльник возвращается, чтобы вершить месть над теми, кто причинил ему зло, в надежде на воссоединение со своей дочерью. Бёртон постоянно использует нотки готического стиля, будучи художником для массовой культуры, работающим с крупными бюджетами, звёздами первой величины и резонансным промоушном. 
Очевидно, своими фильмами Бёртон внёс вклад в развитие традиций готического искусства, продолжая работать за границами социально-экономических ограничений. Несмотря на готический стиль, он один из представителей массовой художественной формы. Увлечение поколения икс фильмами Тима Бёртона будет продолжаться. Если другие художники осмелятся сравниться с усилиями Бёртона, они найдут популярность у этой группы зрителей.